PENÉLOPE TRIP «POLITOMANIA» (1992)

Politomanía – Penélope Trip

Emergidos de las profundidades del heterogéneo y tan recordado Xixón Sound, y  coincidiendo con los albores del mítico shoegaze, (El  arte de hacer magia con ruido) nacen Penélope Trip, toda una leyenda para los aficionados españoles al género, por representar, para muchos, el mayor exponente del mismo en nuestro país.

Desde su debut en 1991 con el EP “Hammerhead!”, hasta su desaparición en 1996 con el largo “Quién Puede Matar a un Niño”,  los gijoneses dejan un legado de cuatro largos y dos ep’s que, aunque más reconocido por la prensa especializada que por el público general,  toma cuerpo y consistencia al ser disfrutado desde la distancia, resistiendo el paso del tiempo con mucha más entereza que varios de sus más famosos congéneres.

Penélope Trip en los medios

 

Mención especial requiere este “Politomanía” (Munster, 1992),  primer largo de la banda, que, aunque más arcaico en composiciones y arreglos,  goza de toda la frescura y juventud de sus inicios. Muestra la experiencia de quienes, siendo poco más que unos niños, exploraron y ahondaron un género, asimilaron a la perfección su filosofía, y engrosaron las exiguas filas de aquellos pocos que consiguieron perpetuar esa peculiar forma de entender la música.

Toda una pieza de coleccionista, y todo un orgullo para la música nacional.

Entrevista a Nacho Vegas

Nacho Vegas no para. Casi diez años después de aquellas cajas de música, éstas siguen sin detenerse y lejos de hacerlo, continúan en marcha y a buen ritmo. Prácticamente en el último año: la Fundación Robo, un EP: “Cómo hacer crac” y un disco: “La Zona Sucia”. Mejor canción del año en Rockdeluxe  para “La gran broma final”, gira por el Cono Sur, actuaciones en París y Londres y todo esto mientras se cumple el primer y feliz aniversario de la plataforma de autoedición Marxophone (aquí el Manifiesto Marxophone ).

PdP: Antes de nada queremos felicitarte por el éxito del disco en particular y de todo el proyecto de Marxophone en general. Sin duda habéis logrado dar con una fórmula realista y viable de grabar y distribuir música. El éxito unánime de las producciones: Alfaro, Lüger, Brea y tú mismo, así lo indica. ¿Se extiende el marxophonismo?.

NV: Al estar desmoronándose la gran industria del disco tal y como la conocíamos,  es una tendencia natural y saludable que se hagan más visibles modelos independientes y autogestionados, que es lo que tratamos de hacer en Marxophone. Paralelamente surgen nuevas vías como la microfinanciación.

PdP: Por si a alguien le quedaban dudas: el copyleft funciona.

NV: Este es un debate en el que no hay consenso aún y eso me preocupa. Yo prefiero hablar de licencias libres, menos restrictivas que el copyright y que permiten expresamente la libre difusión de tus obras más allá de las líneas tradicionalmente impuestas por el mercado, con la excepción de los casos en los que exista propósito comercial. El copyleft sería la licencia libre total, sin ningún tipo de restricciones, y esto tiene sentido en el caso del software libre (de hecho nació con esta finalidad) pero yo no se lo veo en el de las obras sujetas a derecho de autor. No estoy en contra, por supuesto, del derecho de autor ni de las entidades de gestión, solo del abuso que estas han cometido en nombre de aquel (por ejemplo, con el canon digital). Y el caso es que el copyleft que permite el uso comercial en la música, por ejemplo, es defendido con mucha vehemencia desde posturas neoliberales, que cuando hablan de cultura libre no entienden libertad de difusión sino de comercio, y esto es muy peligroso. Internet puede ser una herramienta estupenda, pero no hay que ser ilusos; los grandes depredadores también campan a sus anchas por la red.

PdP: En España, la industria parece que lo ha hecho peor aún que en otros países. ¿Crees que Antón Rexa puede, digamos, “refundar” la SGAE?.

NV: Veremos; al menos se ha acabado con el Bautistato  y parece que la nueva dirección está dispuesta a escuchar a todos los socios y no solo a una élite que genera mucho. Pero ojo, yo no creo que la SGAE haya sido la cara más fea de la industria ni mucho menos. Su problema fue que durante muchos años no ha estado al servicio de los socios sino de otros agentes tan poderosos como dañinos: multinacionales discográficas, grandes grupos de comunicación (PRISA, especialmente) y editoriales, que acabaron integradas en la sociedad. Todo lo que supusiera recaudar mucho valía.

PdP: Participas también en la Fundación Robo. ¿Cómo surgió el proyecto?,  ¿consideras que es necesario hoy en día que los artistas vuelvan a implicarse más en lo político, en lo social?.

NV: Comenzó cuando Roberto Herreros empezó a colgar canciones en un bandcamp bajo el nombre de Robo, que grababa con Joseba Irazoki y Karlos Osinaga y que reflejaban de algún modo las sensaciones vividas tras la eclosión del 15M. Me pareció una idea estupenda, me uní con “Cómo hacer crac” y el proyecto empezó a tomar forma de plataforma colectiva, con lo que surgió la Fundación Robo. Tenemos un pequeño politburó desde el que vamos tomando las decisiones y poco a poco se fueron uniendo músicos de diferentes escenas con sus aportaciones. Pedimos que en las canciones se advierta un compromiso social en un sentido amplio. Ese compromiso, en realidad, está implícito en cualquier forma de cultura popular en tanto que esta siempre refleja una forma de mirar al mundo. Lo que no nos gustaba a ninguno era ese inmovilismo que se vivió en la década pasada, sobre todo dentro de la escena indie.

PdP: Dicen que al viajar uno cambia sus puntos de vista. ¿Qué perspectiva se obtiene de nuestra región desde Sudamérica y qué visiones sobre Asturias has encontrado en la gente de allí?.

NV: Más bien trato yo de empaparme de lo que sucede allí. Este año viajamos a México y Colombia, donde el déficit democrático es similar al de España y los países de nuestro entorno pero la situación se agrava por una violencia extrema, unas desigualdades aún mayores que las nuestras, y una militarización exagerada en las calles, y todo eso te crea esa sensación falsa de que “lo nuestro” es poco menos que una frivolidad… Pero es que lees los sucesos en el norte de México y te das cuenta de que The Wire tiene tanto de realista como Mujeres Desesperadas. Eso sí, en entusiasmo por la cultura popular nos llevan mucha ventaja, y eso es algo que deberíamos aprender de Latinoamérica. Además es allí, en los barrios, donde se siguen gestando las tendencias musicales más interesantes.

PdP: En este singular momento histórico, en el que el mundo se enfrenta a desafíos globales nunca antes vistos, ¿dónde se sitúa Asturias?.  ¿Cómo ves el futuro de la región?

NV: Pues qué quieres que te diga… Negro como el carbón del pozu Candín… En Asturies se llamó reconversión a lo que en realidad fue destrucción de empleo, tejido social, industria… Por supuesto, para mayor gloria de empresarios que se enriquecieron y políticos que medraron. El daño que se le hizo a Asturies es algo que pagaremos aún durante mucho tiempo. Paradójicamente Gijón es una ciudad bastante agradable para vivir, muy poco hostil, probablemente debido a que tiene una población muy envejecida. Gran parte de nuestra generación tuvo que emigrar y la nueva lo tiene más jodido aún, y eso también le da un aire triste a la ciudad. Oviedo, por ejemplo, es una ciudad donde no se respira esa tranquilidad, pero la gente está más movilizada, baste como ejemplo la gran labor que están haciendo desde el CSOA La Madreña.

PdP: El Niemeyer, el Festival de Cine y la Semana Negra han dado muchos titulares en los últimos  tiempos, pero no por sus actividades culturales. ¿Es la cultura simplemente un arma arrojadiza para los políticos?.

NV: Tampoco hay tanto de lo que extrañarse. A mí la destitución de Cienfuegos y el anuncio de cambio de rumbo del festival me entristecieron mucho, pero todos estos años atrás el PP en la oposición ya venía reclamando otro modelo de festival, aunque con la boca pequeña dado el prestigio y el éxito de público que tenía cada edición. Así que con el Foro no iba a ser diferente. Yo era algo que esperaba y sinceramente creo que se sobredimensionó el debate. Más que un arma arrojadiza creo que sirvió como cortina de humo. Me parece increíble que se llenaran tantas páginas en los periódicos con la ridícula polémica de la gestión del Niemeyer mientras apenas se leía nada sobre las explotaciones ganaderas o las plantas del metal que cerraban mes tras mes dejando deudas millonarias y gente en la calle. Y seguramente ahora al PSOE y a Foro les interesa más polemizar en los medios sobre la Semana Negra que hablar de los 600 millones en recortes que nos quitan a los ciudadanos para pagar un destrozo que no hemos provocado.

PdP: Todo esto no anima mucho a los músicos jóvenes, pero aún así siguen surgiendo talentos creativos. ¿Qué grupos y músicos asturianos te han llamado la atención últimamente?.

NV: Soy fan de Lorena Álvarez y Su Banda Municipal, que hacen una especie de folclore post-punk, por llamarlo de algún modo, que mola mucho. Han editado una cinta y creo que en septiembre saldrá su primer álbum. También estoy atento a lo que hace Arma X, me encanta su rabia y su forma de rapear. Ahora en Factor Canadá, con Dj Soyez. Por cierto, han cedido a la Fundación Robo su hit “Campeones”, especialmente recomendable estos días…

PdP: Para terminar, la frase “Puede que el tiempo me dé la razón, pero no queda tiempo, hoy es el día” de tu último single “La broma final”, remite una vez más al carpe diem, al presente, al ahora o nunca, ¿es este el único camino, o al menos el más inteligente, cuándo el futuro se muestra tan incierto como nunca antes?

NV: Es más bien una frase contra la inacción, que lleva al cinismo y al individualismo más perverso… Cuando a tu alrededor se están derrumbando edificios, puedes dejar que te lo cuente Pepa Bueno en el telediario o salir y moverte y gritar.

Maronda «La Orfebrería Según Los Místicos» (2013)

Maronda «La Orfebrería Según Los Místicos» (2013)

Pablo Maronda y Marc Greenwood (La Habitación Roja) son Maronda, y “La Orfebrería Según Los Místicos”, su segundo album. Autoeditado, autogestionado y disponible para descargar gratuitamente en su web: http://maronda.es/ ; sin registrarse, sin dar absolutamente ningún dato, y con una excelente calidad.
El sonido de la banda, como ellos mismos lo definen:  “pop-rock melódico y nostálgico con influencias declaradas de bandas de aquí (Los Ángeles) y allá (The Zombies, The Byrds)”.

Así que nosotros, por aportar algo, diremos que llevamos una semana escuchando el álbum día sí, y día también, ante todo porque nos resulta muy difícil dejar de hacerlo. Que no se nos quita un tema de la cabeza hasta que no escuchamos otro, y que contiene todo el espíritu de los grandes clásicos del pop independiente español. Probablemente el valor sentimental de los recuerdos pesa, con aquellos “Super 8”, “Largometraje” o  “Un Soplo en el Corazón” circulando de copia en copia, a la hora de vincular directamente una obra aparecida con casi 20 años de distancia y plantearse que seguramente, “La Orfebrería Según Los Místicos” se lo habría comido todo en los noventa. ¿Y ahora? Ver veremos; de momento anuncian una modesta gira acompañados simplemente de dos guitarras y un teclado, declarando no disponer de recursos económicos para más. Por lo demás, y en nuestra humilde opinión, el álbum  lo tiene todo: letras inteligentes, un perfecto dominio de la métrica y  la rima, melodías bonitas y pegadizas, arreglos contundentes… Todo funciona,  todo tiene calidad y todo nos gusta.

Difícil destacar canción alguna; como a nosotros, suponemos, gustando una lo harán también todas las demás. Comentar al menos, que su single “Volverás” ya está siendo sometido a escrutinio en algunos medios como uno de los mejores hits nacionales en lo que llevamos de año, o que nos encantan los arreglos de cuerda de “Las Luces Resplandecen”, las potentes guitarras de “He Hablado con Ella”, o la explosión sonora de “El Pájaro Cuco y la Muerte”.  Luminoso y adictivo, perfecta banda sonora de entrada a la primavera.

Youth Lagoon «Wondrous Bughouse» (2013)

Youth Lagoon «Wondrous Bughouse» (2013)

Nuevo y soberbio album de Youth Lagoon, también conocido como Trevor Powers, natural de Idaho, que ya en 2011 se reveló como un aventajado músico espirituoso con aquel “The Year of Hibernation” (Fat Possum),  donde comenzaba a exhibir su particular constelación psicodélica y barroca, de la que ahora se ha convertido en amo y señor.

“Wondrous Bughouse” (Fat Possum, 2013) , tarjeta de embarque al subconsciente, batidora de ritmos y sonidos, y voces distorsionadas. Toda una colección de imágenes surrealistas para confirmar, una vez más, que la psicodelia es un concepto atemporal, no un género, ha existido y existirá siempre (bajo diferentes nombres), y muestra su mejor forma en la misma medida en que la muestra el arte, que no es otra cosa que la expresión tangible de nuestra imaginación.

Leíamos en alguna reseña del disco que circula por la web, que en esto de la psicodelia está ya casi todo inventado. Imposible. En todo caso, nos hará falta entrenar más la imaginación.
De cualquier modo, este no es el caso de Trevon Powers, que haciendo gala de una creatividad en estado de gracia, se ha marcado un álbum memorable. Pop marciano con melodías trituradas, que nos recuerdan en varios momentos a la experimentación sonora de Panda Bear, aunque con un formato más clásico y más fácilmente digerible.

Himnos como “Dropla” ,  “Mute” o “Attic Doctor” que seguro tendrán su presencia entre lo más destacado del año cuando este se consuma, han venido dando los adelantos de lo que parecía, y por fin se confirmó, como un disco enorme.

Cineplexx «Perfume» (2012)

Cineplexx «Perfume» (2012)

Cineplexx es Sebastián Litmanovich, un  músico y artista gráfico argentino afincado en Londres,  que con la edición de este “Perfume”  (2012, Nuevahola records para edición digital, y Molécula Records para CD) suma ya el octavo disco de su carrera. Todo un derroche de psicodelia e imaginación en 13 exultantes pistas que, combinando un variado catálogo de ritmos que van desde el pop puramente 60’s hasta el pop de sintetizadores o ritmos brasileños, dan como resultado una obra excepcionalmente heterogénea.

Siempre sobre los raíles del pop, “Perfume” nos transporta a un alegre festín, amenizado con LSD en el ponche y explosiones de colores,  donde todo parece quedar suspendido en una densa calma. Cabe destacar el elenco de ilustres colaboradores como Lupe Nuñez (Pipas / Amor de Dias), Cathy Claret, Stu Kidd ( BMX Bandits), Nigel Baillie (Camera Obscura) de que se ha rodeado el argentino, así como el bello diseño de Ana Montiel que ilustra la portada, y que supone un acertado aporte a la idea.

Todo el album se muestra efectivo y regular, y en todos sus temas la atmósfera es transmitida de forma sobresaliente, incluida esa simpatiquísima reflexión sobre el bicho palo, que a unos sociópatas clínicos como nosotros no podía dejar de cautivarnos.

En definitiva, un disco lisérgico, elegante y divertido, a cargo de un artista con muchas tablas.

Woods «Bend Beyond» (2012)

Bend Beyond (2012)

Majestuoso séptimo disco de Woods, y continuación del “Sun and Shade” (Woodsist, 2011), -aunque si de algo no se le puede calificar, es precisamente de continuista-, este “Bend Beyond” (2012), nuevamente editado bajo su propio sello “Woodsist”, nos ha dejado absolutamente enamorados.

Del anterior y efectivo estilo lo-fi, que centraba más la escucha en sus contundentes composiciones, y mantenía el discurso sobre una misma línea, los de Brooklyn han pasado a sorprendernos con una irresistible lección de pop-rock psicodélico, en un terreno donde poco o ningún espacio creíamos reservado ya para la sorpresa.
De momento, como no podemos esperar más para hacernos comprender, lanzamos un botón como muestra, y a seguir.

http://www.youtube.com/watch?v=JI9RHUpJWTY

Mejor lo cuenta una guitarra. Rescatado el espíritu de los grandes en aquello de deleitar y deleitarse interpretando una canción, con esta impresionante apertura “Bend Beyond” (¿No hay mucho “Love” ahí dentro?) , y entregados a la calma de “Cali in a Cup” tras la pista de su penetrante armónica, o del delicado folk de” It Ain’t Easy” (Quizás ahora mucho «The Shins»?); comenzamos a asimilar el rumbo en la evolución de la banda, más orientado a la perfección en los arreglos que en sus obras precedentes. El delirio psicodélico llega en forma de “Cascade”,  la garajera “Find Them Empty”, o esa bestial locura llamada “Size Meets the Sound”.

12 cortes sin tregua para un disco que seguramente recordaremos durante mucho tiempo, y que representó una de las mayores alegrías musicales (tampoco hubo muchas alegrías de ningún  otro tipo) del pasado año. Magistral.

http://www.youtube.com/watch?v=HYXishxwtLo

Tripulante y Crucero «El Sonido de los Mapas» (2012)

Tripulante y Crucero «El Sonido de los Mapas» (2012)

Del uso del ruido como medio de evasión, pasa nuestro recetario  al uso del concepto, en esta ocasión sobre soleados paisajes marítimos.
A mediados del pasado año, aparecía este “Sonido de los Mapas” (Gran Derby, 2012) a cargo de Tripulante y Crucero, banda afincada en Madrid, que con el canario Javi Peña al timón ha sabido trenzar una obra luminosa y exquisita en su producción.

Original propuesta sobre telón de fondo marino que, como un diario de navegación, reconstruye de relato en relato un bucólico y bohemio escenario.
Así, entre bahías y arrecifes,  nos sumergen en una plácida travesía de costa a costa, emprendida sin más fin que el del puro placer de navegar.  Desenvolviéndose con soltura en el contexto,  y como pez  en el agua en el terreno del disco conceptual , Tripulante y Crucero combinan con habilidad y frescura pop, raíces africanas, bossa (bello cierre el de “Abrazos”, por cierto) y ritmos tropicales, manejando un amplio espectro de dispares referencias. Clásicos como Talking Heads, o Paul Simon, convergen en un punto con Radio Futura o Vampire Weekend. Una falta de rigidez en la fórmula que da paso a un contagioso impulso de libertad.

Tras sumergirnos en su odisea con esa bonita introducción: “Las Flores”; la banda muestra sus credenciales en “Bahía Oba”, acertada carta de presentación y “Tripulante y Crucero”. Su alegre “Diario de Navegación” a ritmo de bossa nova, o “Topógrafo”, bello cierre para esta conmovedora narración, podrían iluminar el día de cualquiera, aunque solamente sea durante los 35 minutos del periplo.

“… sentir que todo el año es periodo estival”.

Lotus Plaza «Spooky Action at a Distance» (2012)

Lotus Plaza «Spooky Action at a Distance» (2012)

El 2 de abril del pasado año apareció el segundo largo de Lotus Plaza,  semilla extraída de una de las estructuras más prolíficas del panorama musical internacional, que este año ya ha anunciado nuevo material; la banda norteamericana Deerhunter.

En los últimos 5 años, la agrupación liderada por Brandford Cox, ha parido 3 LP’s (Uno de ellos doble) y dos EP’s; dando igualmente tiempo a su proyecto en solitario, Atlas Sound, para consolidar tres inmensas obras, más la edición de sus maquetas caseras en una edición cuádruple.  Mientras tanto, su guitarrista, Lockett Pundt, arrancaba su nueva aventura en Lotus Plaza con la edición en 2009 de “The Floodlight Collective”,  y por fin, el año pasado, daba un notorio salto de calidad con este “ Spooky Action at a Distance” (Kranky, 2012). Casi nada. Con codo ello se consolida todo un colectivo musical, poseedor de un sonido y una identidad que le son propias e inconfundibles. Muestra de ello es el tema de apertura, “Strangers” . Quien alguna vez  haya flotado con los contundentes riffs de la banda madre, identificará de inmediato su lenguaje. La atmósfera sigue evocando una densa nube, el sonido continúa envolviendo al oyente en su espesor, el ambiente se compone de partículas nítidas y bien definidas;  no hay caos, es la apología del conjunto.

El ritmo no decrece, tras la enorme “Out  of Touch”, las muestras de calidad se suceden.  “Dusty Rhodes”, “White Galactic One” , “Remember our Days”…. Un disco cargado de argumentos para abandonarse a una placentera flotación de casi 45 minutos.
Gran disco.

My Bloody Valentine «MBV» (2013)

My Bloody Valentine «MBV» (2013)

Como una  luz que, desde los abisales, bulle emergente y lenta. Así es MBV, y así son  My Bloody Valentine. Se extienden desde las partículas más ínfimas  hasta la totalidad del vasto y oscuro piélago oceánico, remueven y agitan sin pausa a todo organismo expuesto; de nuevo esa  factoría de sonido compleja y estridente, tras 20 años de letargo, reactiva sus turbinas, reemprende su marcha grave.

«She Found Now»,  ascensión tensa  a la superficie, el lento fluir de «Only Tonorrow», o esa animalada, «Nothing is»; lo mismo da. Lo que nos interesa de verdad es la oportunidad que se nos brinda, nuevamente, de meter la cabeza en la trituradora.

No sé si alguien esperaba nueva alguna: Las guitarras se siguen derritiendo como los relojes de Dalí, y las voces son ecos donde los ecos son voces, el denso océano de kevin Shields aun parece virgen, y toda la pesca. Pero al final, trasciende el hecho;
la trituradora ha vuelto. Qué de puta madre.

 

Ángel Kaplan «Pictures From The Past» (2012)

Picture From The Past (2012)

Tras una década al frente de los “powerpoperos” Bubblegum, un gran primer  (aunque ignoto) disco, y haber militado y grabado con toda una institución como Dr. Explosión, Kaplan pasó a formar parte de la legendaria banda norteamericana de garaje “The Cynics”. A esta aventura se le unió Pibli, un gijonés que cuenta con 160 brazos y aprovecha esa extraña peculiaridad para tocar la batería. Figúrense, amar la música desde crío, escucharla, practicarla, dar conciertos, grabar, y que un día una banda americana que tantas veces ha sonado en tus auriculares y en los de tantos otros, te reclame como nuevo componente. El sueño de todo músico y melómano.  ¿Podría cualquiera darse por satisfecho? Puede. Pero portar una fuente inagotable de talento y creatividad, conlleva una responsabilidad para consigo mismo, y probablemente para con los demás también.

Ángel Kaplan con los Cynics

Digo todo esto, porque creo importante resaltar que un trabajo tan absolutamente brillante como es este “Picture From The Past” (Sunny Day, 2012) , ni tiene nada de casual, ni es producto de una repentina iluminación. Que el bagaje musical de Ángel Kaplan, les suene o no su nombre, es  enorme, y que el justo reconocimiento a su trabajo ha de llegarle, y lo está haciendo, precisamente ahora. Grabado en diferentes lugares y con diferentes colaboradores como Chus Neira, Paco González o Mike Mariconda, mezclado  en los estudios de Circo Perroti (Toda una garantía, por cierto), se lanza en julio de 2012 este “Picture From The Past”. Una edición limitada de 500 vinilos en 45 rpm, bella presentación incluida, que recrea una postal  con una imagen de la Playa San Lorenzo en los años treinta.
A las pocas semanas, todos agotados . Quien suscribe guarda el suyo con orgullo.

10 cortes de exquisito pop nostálgico, sincero, en apenas 30 minutos de duración. Puro disco de género. Una  luminosa travesía,   donde Kaplan maneja con habilidad sus influencias, para dejarnos un delicioso regusto años 60 en temas como como “Wasting My Precious Time”, o “Back To Nowhere Land”, envites psicodélicos como “Ridiculous Love Song” o dosis del mejor pop al estilo británico como “Your Empty Eyes” o esa joya llamada “Sorry For Myself”.
Para  cerrar, un gran acierto, “Dreams From The Night Before” pista de intensidad creciente y exhibición de potencia para concluir este oxigenante viaje. Mucha clase.